Интересные факты о живописцах и советы, как правильно знакомиться с картинами.
Наталья НебогатоваАвтор Лайфхакера
Избранное художников, которые были успешными. Они очень хорошо понимали, что необходимо их современникам. И тоже могли добавлять новое видение к традиционным подходам. Но делали это дозированно — так, чтобы общество смогло принять их новаторские решения.Такого признания добились Рафаэль, Рубенс, позже — Марк Шагал, Сальвадор Дали, Пабло Пикассо.
Марк Шагал. «Над городом». Изображение: artchive.ruНо есть и другие примеры — скажем, Климт и Шиле. Первый сделал блистательную карьеру и был самым успешным художником Вены. Второй — его ученик. Прожил несчастную короткую жизнь и получил признание лишь в самом её конце.Поэтому бывает, что девизом художника становится фраза l’art pour l’art — «искусство ради искусства». А деньги приходится зарабатывать иначе. Так делал, например, знаменитый да Винчи.
Леонардо да Винчи, когда хотел кушать, строить карьеру, в принципе быть достойным членом общества, подавался на службу к миланскому герцогу. И говорил: дорогой герцог, я умею строить замечательные фортификации, я вообще урбанист.
Никита Монич
Можем ли мы отделить легенды о художниках от фактов
Давайте продолжим говорить о Леонардо и посмотрим на его «Мону Лизу». Вокруг этого знаменитого полотна есть много легенд. Например, считается, что художник нанимал музыкантов, чтобы модель не заскучала, пока он её рисует. А знаменитая улыбка Джоконды появилась именно благодаря этой музыке. И вообще, только губы девушки мастер писал целых 12 лет.Тут отделить факты от домыслов сложно. Мы почти ничего не знаем о том, как на самом деле работал да Винчи и его современники. Да, мы можем, например, изучить дневники Леонардо. Но разобраться в его записях — задача не из простых.
Страницы дневника Леонардо да Винчи. Изображения: Vikimedia Commons
В тысячах страниц вперемежку идут списки покупок, размышления о природе живописи, идея, как сделать гребной винт. Тут рыбу заворачивали, здесь рука, здесь нога нарисована. Короче, мы не очень много знаем о да Винчи по его собственным свидетельствам.
Никита Монич
Мы знакомы с биографиями Леонардо и его современников по записям художника и искусствоведа Вазари. Но не знаем, насколько точно отражены факты в этих работах, ставших каноническими.Например, Вазари описывает брови «Моны Лизы». Но на полотне нет бровей. Причём они отсутствуют не только в чистовом варианте. Под внешним слоем, если изучить картину с помощью рентгена, брови тоже не обнаруживаются. Выходит, Вазари либо сам не видел эту картину и ему «Рабинович напел», либо видел, но писал о ней по памяти и ошибся.Но есть и факты, в которых мы уверены. «Джоконду» Леонардо писал очень долго и относился к ней с особенными эмоциями. Он начал работу, получив заказ в 1467 году. Потом так и не отдал картину заказчику и долго возил её с собой. Через 40 лет Леонардо вернулся к работе. Может быть, он добавил всего несколько штрихов — даже с помощью рентгена мы не можем сказать точно, в каком году был нанесён каждый конкретный мазок. Но знаем, что художник закончил картину спустя многие годы после начала работы.
«Мона Лиза» оказалась в королевском собрании живописи Франции при Франциске I. Он её купил после смерти да Винчи. Но заказывалась она совершенно другими людьми и не пришла к клиенту, потому что все дедлайны были безбожно пропущены.
Никита Монич
Кого на самом деле рисуют художники на своих портретах
Казалось бы, ответ очевиден: тех, кто служит им моделями. Но если говорить о «Моне Лизе», можно услышать немало домыслов о том, кого на самом деле хотел изобразить Леонардо. Некоторые верят, что самого себя. Или даже Христа.
Леонардо да Винчи. «Мона Лиза». Изображение: Louvre CollectionsНа самом же деле не очень важно, кто служил моделью для картины. Зачастую портрет — лишь образ. Допустим, человек на холсте очень похож на того, кто позировал. Однако каждая картина — это ещё и портрет самого художника. Но не потому, что он всегда рисует свой облик.Здесь важна не форма, а содержание. То есть послание, смысл, который художник вкладывает в каждую свою работу. А этот месседж целиком зависит от творца.
Какую роль сыграли женщины в классическом искусстве
Они часто становились музами для творцов. Но редко могли сами получить классическое образование и стать художницами.Вот одна из причин ограничения. Любая картина или скульптура — это чувственный объект. Творческое начало всегда было связано с сексуальностью. Это во многом сублимация, то есть направление чувственной энергии в другое, созидательное русло. И мы знаем, что художники, создававшие классическое искусство, часто писали обнажённые женские фигуры. Для этого им позировали натурщицы.Однако в прошлые века невозможно было даже подумать о том, чтобы девушка рисовала обнажённого мужчину. Она не могла даже оказаться с ним в одном помещении.Но это вовсе не значит, что женщины никак не повлияли на искусство. Наоборот — без них оно вряд ли достигло бы высокого уровня.Недавно музей Прадо сделал проект El Prado en femenino. Его создатели сняли видео, в котором со стен музея исчезали все картины, которые заказали, купили, сделали частью коллекции женщины. И в итоге из музейных залов в ролике пропали почти все главные шедевры.
Navarro Moreno Aurelia. «Una artista». Изображение: El Prado en femenino, Museo del Prado
Потому что пока мужики мочат друг друга в кустах, женщины выполняют гораздо более важную задачу: обустраивают своё жизненное пространство, воспитывают детей и вообще — отвечают за лицо режима, королевского двора и так далее.
Никита Монич
Может ли обычный человек, а не специалист, понять современное искусство
Любая картина, скульптура, произведение декоративно-прикладного искусства, мелодия — это сообщение. И оно транслируется на каком-то языке. Значит, чтобы расшифровать это послание, нужно знать язык, на котором оно передаётся.Когда человек видит каких-то людей или объекты на картине, ему часто кажется, что тут всё понятно. Зритель может подумать: вот же реалистично нарисованная красивая женщина — что тут неясного. Но он не видит аллегорий, не знает, какая история зашифрована в картине, не узнаёт литературных цитат, с ней связанных. Если он видит святых, то может не знать, чем они известны, какие их атрибуты нарисованы рядом, зачем эти атрибуты были нужны. И в итоге не понимает послания, которое хотел передать художник.
Clyfford Still, PH-972. Изображение: Google Arts&CultureНо человек делает вывод: «Вот это я понимаю, потому что здесь люди. А вот тут просто пятна, моя пятилетняя дочь так же нарисует — не понимаю».
Когда кто-нибудь говорит, что его пятилетний ребёнок так может, это всегда не так. Искусство — это не объект. Искусство — это отношение, которое рождается между зрителем и объектом или не рождается. И вот если рождается, человек такой: «О, искусство!» А если не рождается, он такой: «Это не искусство».
Никита Монич
Но чтобы отношение возникло, нужно понять, что именно тебе сказали. Если фраза звучит на незнакомом человеку языке — например, на вьетнамском или венгерском — он ничего не воспримет. И не получит сообщения, даже если оно чрезвычайно важное и может изменить его жизнь.Делаем вывод: разбираться в искусстве — значит хорошо знать язык, на котором говорит художник. Если не понимаешь этого языка, то услышать художника будет невозможно.
Как научиться разбираться в искусстве
Стоит понять, что именно вам нравится и находит отклик. Для этого нужно пробовать разное. Это как с продуктами: можно сравнить несколько видов сока, а потом решить, что вам всё равно больше нравится пиво. Но сначала нужно попробовать каждый напиток.Если вы начали знакомиться с искусством, запомните два правила:
Интерес к картине начинается со второго просмотра. Если вам захотелось взглянуть на неё ещё раз, значит, в ней что-то есть.
Не стоит бояться спойлеров. Прежде чем отправиться в музей, можно почитать про него. И взглянуть на 20–30 шедевров, которые там хранятся. Их легко найти, например, на платформе Google Arts&Culture.
Сначала просто смотрите на картины, листайте страницы — на первом этапе этого достаточно. При этом открывайте в новых вкладках те полотна, которые вас чем-то зацепили. Затем взгляните на эти работы ещё раз, почитайте о них.
Василий Кандинский. Gelb-Rot-Blau (Yellow-Red-Blue). Изображение: Google Arts&CultureПозже, когда вы отправитесь в музей, сразу идите к тем картинам, которые вас заинтересовали. То есть к уже знакомым полотнам. Это необходимо, чтобы вы не растратили свой самый ценный ресурс — внимание.
Очень важный момент: не пытайтесь посмотреть все. «У меня четыре часа, впереди 400 залов Лувра — сейчас разберёмся» — боже упаси! Ещё больше 100 лет назад придумали термин «музейная усталость». Вас просто вынесет, у вас закончится свободное место на жёстком диске.
Никита Монич
Поэтому смотрите лишь то, что наметили заранее. А потом попробуйте выделить три произведения из всех, что увидели:
То, что вам больше всего понравилось.
То, что вам больше всего не понравилось.
То, что вам показалось самым странным.
Затем возьмите смартфон и включите будильник, чтобы он прозвенел через пять минут. Очень важно всё это время не смотреть на экран, поэтому пусть будет именно будильник, а не таймер. И пять минут разговаривайте с выбранной картиной. Обязательно вслух, только негромко — вы всё-таки в музее. Говорите в среднем темпе, без повторов. Продолжайте, пока не прозвучит сигнал будильника.
Когда он прозвонит, вы откроете для себя огромное количество нового про эту картину. Вы словно прорвётесь сквозь какую-то полупрозрачную мембрану стереотипа. Сделав это с тремя картинами как некими реперными точками, вы заложите основу.
Никита Монич
Ну а если будете повторять этот приём каждый раз, когда посетите новую экспозицию, со временем накопите опыт восприятия. И сможете лучше интерпретировать искусство.
Лайфхакер
